IMBRICAMENTOS DE LINGUAGENS

Resenha da obra "Sem pressa", de Katherine Funke, por Taiza Mara Rauen Morae

SEM PRESSA

Autora do Livro:

FUNKE, Katherine. Ilustrações Meryl Dith. Joinville/SC: Micronotas, 2018.

Edição / Prêmio Edital Elisabete Anderle, 2017

Autora da Resenha:

Taiza Mara Rauen Moraes - Mestrado Patrimônio Cultural e Sociedade/ Letras/ PROLER UNIVILLE

Palavras-chave

Narrativas híbridas; percepções temporais; atmosferas sensíveis.

Desenvolvimento do Texto:

Foto: Divulgação

Sem pressa, livro composto por sete narrativas/entrevistas escritas entre 2010 e 2011, por Katherine Funke, jornalista que na época tinha sete anos de experiência profissional e se permitiu romper com a pressão do “aqui e do agora” do fazer jornalístico, para se dedicar à escrita literária experiência propiciada por uma Bolsa Funarte de Criação Literária. As narrativas registram vivências com um tempo dedicado à escrita e ecoam experiências dos entrevistados, bem como projeções de sonhos alimentadores da existência e que permitem ao leitor fluir temporalmente, experienciar aconchegos e abandonos. A cada narrativa o leitor é introduzido por uma imagem e por uma epígrafe poética que o provoca a refletir sobre o tempo como um fenômeno imanente e transcendente. A primeira, intitulada Ei, você viu aí um pedaço com uma cabeça?,introduzida por versos de T.S.Eliot circula reflexões sobre o poder do tempo ao narrar a persistência de Rita Andrade, Ritta Mota (Tetê), Alberto e de Yara Chamusca, atuantes no Museu Náutico do Forte de Santo Antônio da Barra, para ordenar e catalogar 6.495 fragmentos de faiança portuguesa resgatados em 1970, nos destroços do navio de guerra Galeão Sacramento, naufragado em 1668, em Salvador/Bahia. Expõe a obstinação da equipe na busca da compreensão das almas das cerâmicas, a luta contra o tempo na montagem de quebra-cabeças e que segundo Tetê requerem sensibilidade e paciência, pois “As estrias de barro, pequenas reentrâncias lineares que podem ser vistas nas bordas laterais internas de um fragmento quebrado, são a memória da massa, e sendo assim, só se casam com massas de estrias iguais.” (p.17) A segunda narrativa, Stella vai a um retiro no mosteiro, é introduzida pelas palavras de Virgínia Woolf que clama por “abolir com um sopro o tique-taque dos relógios”. Stella, neta de Dorival Caymmi e filha de Nanna se auto avalia como uma mulher exausta, pois conforme seu depoimento “Em doze anos, eu devo ter escrito mil e duzentas a mil e quatrocentas páginas editadas. ”(26) e informa que a alternativa encontrada para superar a exaustão é isolar-se por quatro dias em um mosteiro para afastar-se das cobranças do tempo. Aqui não tem Coca-Cola, terceira narrativa é desencadeada a partir das frases de Fellini- Não há início nem fim, apenas a infinita paixão pela vida. ” e é focada nas experiências e contradições de Patrícia Zukas Dias, fotógrafa, economista e proprietária de um restaurante/café de slow food, “Ciranda Café”, em Salvador/Bahia. A narrativa é costurada pelas palavras de Baudelaire, que ao clamar pela liberdade diz: “A cada minuto nós somos esmagados pelo conceito e pela sensação do Tempo. E há apenas duas maneiras de se escapar desse pesadelo: o prazer e o trabalho. O prazer nos consome. O trabalho nos fortifica. Faça sua escolha. ” (p.43 in: Flores do Mal, poema “Higiene”) Já, em Para decupar o absurdo, as experiências com tempo são vividas pelo fotógrafo Christian Cravo que registrou imagens dos duzentos e cinqüenta mil cadáveres, vítimas do terremoto no Haiti, em 2010. Após ter vivido esse episódio decide fotografar a natureza africana, a vida em si. A quarta narrativa, Desculpe, não deu para esperar pelo futuro, introduzida pelas palavras de Manoel de Barros, “O tempo só anda de ida”, é desenvolvida de modo cronológico, registra o momento do impacto do episódio do World Trade Center (2001), vivido pelo investidor americano Bernard Attal, que poderia ter morrido se o táxi em que estava cruzasse o quarteirão dos edifícios, dez minutos depois do choque dos aviões. Após, essa vivência, decidiu estudar cinema, na Universidade de New York e lançou seu primeiro filme/curta metragem, “29 Polegadas” aos quarenta anos de idade e muda-se para Bahia/Brasil. Em 2010 faz seu primeiro longa metragem “A coleção invisível”, baseado nos contos de Stefan Zweig, escritor judeu, nascido em Viena, que encontrou o Brasil na rota de fuga ante ao holocausto nazista. Na sexta narrativa Pan-pandeiro perfeito, a epígrafe é de Maureen Bartz Szymczak – A chuva me encolhe no tempo. Sou gota suspensa- a atmosfera é sonora, e o entrevistada a Tamima dedicada à arte de produzir pandeiros artesanais e nesse ofício de luthier busca mimar “seus pandeiros até quase voarem, de tão levinhos”(p.82), ajustados com cuidado e lentidão na tentativa de atingir a perfeição do som. A sétima e última narrativa- Amanhã já é maior e mais belo, Jorge – é desencadeada a partir das palavras de Alberto Caeiro da Silva “Ter pressa é crer que a gente passa adiante das pernas,/Ou que, dando um pulo, salta por cima da sombra. ” e se diferencia das anteriores na dosagem da invenção, resultante de uma experiência de emersão da produção de chocolates orgânicos de Amma, na Bahia análogas às sensações mágicas transmitidas pelo filme A fantástica fábrica de chocolates (2005) de Tim Burton.

SEMINÁRIO INTERDISCIPLINAR LETRAS/HISTÓRIA - O OLHAR DO VIAJANTE DO SÉCULO XIX - REGISTROS DO DIÁRIO DE AVÉ-LALLEMANT SOBRE A COLÔNIA DONA FRANCISCA

Seminário orientado pelas professoras Taiza Mara Rauen Moraes e Roberta Barros Meira, clique para abrir os arquivos e o material produzido pelos alunos do curso de Letras e História, respectivamente.

Diário de Lübeck - Durval Bulhões, Ian Pogan, Gabriel Castellani, Gabriel Castro, Murilo Ristow, Rhuan Carlos e Thainá Takemoto

Viagem de Robert Avé-Lallemant à Colônia de Joinville

RESENHA DA OBRA "NOTAS INCOMPLETAS SOBRE ASSUNTOS DO TEMPO", DE VALTER HUGO MÃE, POR DÉBORA SHOENHALS E JÉSSICA DUARTE DE OLIVEIRA.

memória, tempo e afeto
Autores da Resenha:	Débora Shoenhals, acadêmica do curso de Letras da UNIVILLE Jéssica Duarte de Oliveira, acadêmica do curso de Letras da UNIVILLE
Referência do Texto:	MÃE, Valter Hugo. Notas incompletas sobre assuntos do tempo. Curitiba: Gusto Design, 2014. p. 17-23.
Palavras-chave (3):	Notas; memória; tempo.
Desenvolvimento do Texto:
“Notas incompletas sobre assuntos do tempo”, escritas por Valter Hugo Mãe e apresentadas pelo autor no Festival Literário “Litercultura” em agosto de 2014. Transcrito em sete páginas, sem figuras ou imagens, discorre sobre os assuntos que permeiam a efemeridade do tempo e a memória, como ele próprio expõe como “a única possibilidade de regresso” quando, um dia, somente ela restará. Todavia como um refúgio para nos deter naquela brevidade de outrora que o tempo insiste em apagar. O texto inicia com uma breve reflexão sobre o passar e a crueldade do tempo, mencionando a memória como a única sobrevivente deste e, então, nem mesmo ela restará. Em seguida, o autor utiliza da construção de memórias afetivas para ilustrar os significados que nos tornam humano, encerrando suas reflexões com a conclusão de que o amor é o que torna a memória algo intrínseco ao ser humano, e não a materialidade do corpo e dos objetos. Hugo Mãe compara o tempo como um roedor que enumera o envelhecimento e com ele as coisas boas se dissipam. O tempo é um verme que corrói devagar todas as coisas boas da vida quando tudo o que desejamos é que ele seja todas as maravilhas, tudo aquilo que amamos juntos e contemplando a beleza que é viver. O autor nos apresenta a seguinte frase em um tom aparentemente autobiográfico: Eu respondi que nós somos o que somos também porque estamos rodeados do que nos rodeia e o único modo de tudo continuar é cuidar que nada se perca. O meu pai disse: isso é memória. Não é uma árvore, é a memória da árvore que vai ser fundamental na tua vida. (MÃE, 2014, p. 18) Embora aquilo que nos rodeia constitua o nosso ser, é a lembrança de todas as coisas que futuramente nos dirão quem fomos, pois as árvores podem ser cortadas, as pessoas se vão, as coisas vão sendo substituídas, porém seu significados, suas sensações provocadas em nós, nos habitarão e nos dirão que realmente tudo o que aconteceu realmente aconteceu, e através do tempo nós permanecemos, principalmente quando sabemos nos reconhecer no outro e sermos reconhecidos numa reciprocidade e “num grau de desarmada intimidade”. Nós estamos de volta quando alguém acompanha a nossa história, quando alguém sabe de que árvore estamos a falar. Se ninguém acompanhar a nossa história a gemente não volta porque não tem para onde voltar, simplesmente seguimos sem sentido porque tudo quanto somos e fazemos se desperdiça na solidão. A solidão pode ser um estágio, mas ela não é um destino do homem. Ela é uma experiência do homem mas aquele que se entrega à solidão optou por perder a humanidade. (MÃE, 2014, p. 19) Para o autor, o sentido da vida está nos outros que dão origem, legitimam e completam a nossa existência, bem como é através dos outros que a felicidade se faz, na troca, na partilha, no acolhimento. A humanidade é memória e, por isso, é um coletivo. A humanidade implica regresso e o regresso, (...) é lembrar e ser lembrado. Ser gente implica os outros e os outros são a nossa transcendência, aquela que verdadeiramente nos deve preocupar. Assim, ainda que algo esteja fora de mim pode ser essencial para me completar, identificar, definir. Por natureza, mesmo na hipótese de deus não existir, a humanidade já é transcendência. Ela está acima do corpo, ela está no outro, começa com a existência do outro. (MÃE, 2014, p. 19) Nós transcendemos do outro, somos parte dos nossos pais, por exemplo, e ao sermos. Como o autor coloca, quando alguém ver nas ruas a nossa mãe ou nosso pai, pode-se dizer que está vendo a nós mesmos. Partes de nós que habitam aquela pessoa. Também nas coisas, nos objetos, nós transcendemos, pois neles há muito o que contar de nós. Neles depositamos nossas melhores ou piores lembranças. De uma viagem concretizada ou não, dos lugares visitados, de pessoas especiais, que permanecem ou que se foram, de momentos, de sabores, de saberes. Somos parte daquilo que temos. Guardamos partes de nós e essas partes de nós são pequenos fios de memória que se impregnam sutilmente naquilo que possuímos. E toda essa transcendência, essa parte de nós que está fora de nós, está definida pela memória. E a memória é afeto, é ter a quem chamar de lar, é o oposto da solidão. É apenas na conexão humana que o ser humano se reconhece enquanto pertencente a algo maior que ele próprio: Quando o filósofo Edmund Husserl define a transcendência como aquilo que está fora de nós, talvez não tenha perspectivado que a identidade do humano está fora de cada um. A humanidade é memória e, por isso, é um coletivo. A humanidade implica regresso e o regresso, como bem aprendi com o meu pai, é lembrar e ser lembrado. (MÃE, 2014, p. 20) De forma sutil, em meio ao fluxo de pensamentos frenéticos expressados com uma linguagem lírica que levam o leitor a acreditar que ele próprio vivenciou as memórias relatadas no conto, chega-se ao fim de toda a memória com a inevitável morte. Hugo Mãe diz que “conceber a morte parece sinal de desistência” (MÃE, 2014, p.21) quando se perde alguém sem estar preparado. É inevitável a reflexão de onde está localizada a memória quando se trata deste assunto, se o corpo, mero objeto, é o suficiente para carregar a conexão humana como as árvores da infância do autor carregaram, um dia, o sentimento de pertença: Eu mantinha na cabeça a história da memória das árvores. Pensava em como seria verdade ou mentira a necessidade de manter apenas a memória. Se eu ainda lembrasse muito o meu pai, seria possível que vê-lo tornado esqueleto me parecesse normal. Essa era a questão. Poderia aquele esqueleto ser ainda a memória bastante do meu pai, ao ponto de eu sentir que tinha mais um dia com ele, um maravilhoso e inesperado dia extra. (MÃE, 2014, p. 22) E é então, com a brutalidade do tempo e o decompor da carne, que o autor concluí que não é a materialidade que carrega a ternura da memória. O corpo, os objetos e as árvores nada mais são do que receptáculos de sentimentos que extravasam a razão. O tempo, que outrora fora comparado com um verme, pode destruir tudo, e o que resta, no final, é o amor. Amor esse, como colocado por Hugo Mãe, que se sente por dentro, na alma.
Observações:	Mesmo para leitores que nunca refletiram a respeito desse tema, o texto não é de difícil entendimento, uma vez que a liricidade construída pelo escritor conversa com a essência de todos que um dia se conectaram a algo ou a alguém. As palavras selecionadas são de fácil compreensão, ainda que a grafia esteja no português lusitano e muitas vezes os sinais de pontuação e suas regras sejam deixados de lado por questões estilísticas. O texto é carregado de reflexões acerca de algo que une os homens: o sentimento.

Resenha da peça "Vozes de Abrigo", com texto e direção de Fábio Nunes Medeiros - 2017, por Taiza Mara Rauen Moraes

VOZES DE ABRIGO
Autora da Resenha:	Profa. Taiza Mara Rauen Moraes Mestrado Patrimônio Cultural e Sociedade/Letras/PROLER UNIVILLE
Ficha técnica do espetáculo dramático musical com teatro de animação:	Vozes de abrigo Ano de Lançamento: 2017 Gênero: espetáculo dramático musical com teatro de animação Texto e Direção: Fábio Nunes Medeiros Direção Musical: André de Souza Assistência de direção: Jordana Carvalho Meirelles Assistência de produção: Ana Paula Melgarejo, Carol Scabora, Rosane Freire Atores-animadores: Dayane Padilha, Hudson Biscaia, Janaina Graboski, Jean Cequinel, João Muniz, Júnior Obata, Maicon Silvério, Paola Kulik Orientação da equipe de visualidades: Flávio Marinho Cenário e figurino: Fábio Nunes Medeiros Costura: Deo Araújo e Juraci Carneiro Formas animadas: Alan Martins, Anne Caetano, Fábio Nunes Medeiros, Flávio Marinho, Hudson Biscaia, Janaína Graboski, Jean Cequinel, João Muniz, Júnior Obata, Lucas Berthier Cardoso, Renan Turci Modelagem dos bonecos: Fábio Nunes Medeiros, Flávio Marinho, Hudson Biscaia Iluminação: João Muniz e Fábio Nunes Medeiros Músico: André Souza (piano) Cenotecnia: Lucas Berthier Cardoso Maquiagem: Daiane Padilha e Janaína Graboski Assessoria de comunicação: Rosane Freires Design Gráfico: Wanderson Barbieri Mosco Teaser:Renan Turci Fotografia: Juliana Luz Filmagem: A lan Martins e Flávia Wolfart Operação de luz: Jordana Carvalho Meirellles e Maycon Lorkievicz Equipe de apoio: Ingrid Vidal, João Daniel Vidal REALIZAÇÃO: LAICA / APOIO: Faculdade de Artes do Paraná / UNESPAR
Palavras-chave	VOZES – ABRIGO - SONHOS
Desenvolvimento do Texto:
*Vozes de abrigo, espetáculo dramático musical com teatro de animação, escrito e dirigido por Fábio Nunes Medeiros e musicado por André de Souza, grita e ecoa a solidão humana, a dor e a luta para a construção de sonhos alimentadores da existência. Existir é interagir com o outro, nascemos da união de dois seres e nos constituímos dia a dia na relação com o outro numa troca de experiências/vivências/sonhos delineando histórias que nos marcam como sujeitos no mundo. A peça Vozes de Abrigo* põe em pauta experiências de rejeição de crianças invisíveis que lutam pela visibilidade e para sair do não-lugar do abandono acionando as linguagens do teatro de animação e do drama musical. O espectador é chamado cena a cena para ativar sua “anima”/”humanizar-se” e olhar para o outro num movimento metafórico de auto constituir-se, perceber o outro e perceber-se numa relação contínua de imbricamentos de sentimentos e emoções. O abandono é configurado como desumanizador por matar gradativa e lentamente a seiva que circula nas nossas raízes, eliminando a água fonte da vida. A montagem articula histórias fictícias e reais de crianças abrigadas, contadas com a magia teatral de atores/manipuladores de bonecos e que se transfiguram em marionetes desvelando o jogo social que transforma sujeitos em objetos e manipula sonhos. Viver é experienciar aconchegos e abandonos, assim a peça é um clamor de vozes musicais para que reavivemos nossa humanidade acolhendo e abrigando o outro em nossos sonhos.
SÍNTESE DA PEÇA TEATRAL	Crianças de abrigo são como sementes plantadas no vento, são como sonhos esperando para serem sonhadas.

Resenha Crítica do filme "Medianeras - Buenos Aires na Era do Amor Virtual", de Gustavo Taretto, por Taiza Mara Rauen Moraes

MEDIANERAS - BUENOS AIRES NA ERA DO AMOR VIRTUAL
Autora da Resenha:	Taiza Mara Rauen Moraes Mestrado Patrimônio Cultural e Sociedade/ Letras/ PROLER UNIVILLE
Referência/ficha técnica do filme:	Medianeras- Buenos Aires na Era do amor virtual Ano de Lançamento: 2011 Gênero: Romance, Comédia, Drama. Direção: Gustavo Taretto Roteiro: Gustavo Taretto Elenco: Adrián Navarro, Carla Peterson, Inés Efron, Javier Drolas, Pilar López de Ayala, Rafael Ferro, Romina Paula Fotografia: Leandro Martínez Trilha Sonora: Gabriel Chwojnik Duração: 95 min.
Palavras-chave (3):	ESPAÇO URBANO - BUENOS AIRES - AMOR NA ERA VIRTUAL
Desenvolvimento do Texto:
Medianeras - Buenos Aires na Era do amor virtual foca em sua narrativa duas vidas solitárias: Martin (Javier Drolas), um escritor solitário que detesta sair de seu pequeno apartamento e Mariana - arquiteta (Pilar López de Ayala), recém-traumatizada pelo término de um relacionamento de quatro anos, que vive num apartamento próximo de Martim, porém separados por medianeiras, paredes muros, que separam espaços e vidas. Ambos moram na metropolitana Buenos Aires, cidade desvelada em cenas panorâmicas que explicitam sua beleza e suas contradições. Martin, verbaliza a solidão num mundo tecnológico-“Há algo mais desolador no século 21 que não ter nenhum e-mail na caixa de entrada?” e Mariana num convívio silencioso com livros e com manequins de vitrines dialogando consigo mesma. O isolamento dos protagonistas é mostrado como decorrente da degeneração das relações sociais advindas do excesso de urbanização e do isolamento físico do mundo tecnológico. A trama é tecida pela exposição das vidas solitárias dos protagonistas, seus problemas, suas neuroses. As sequências narrativas apresentam como os personagens lidam com a solidão: Martin sai com Ana, passeadora de cachorros, ou com Marcela, que conhece pela internet, e Mariana com um amigo do trabalho e um homem que conhece na natação. Apesar de serem vizinhos e de passarem pelas mesmas ruas e frequentarem a mesma academia de natação, não se conhecem. O filme se fragmenta em três tempos: outono, inverno e primavera, incorporando o pensamento filosófico proposto por Bauman em “Amor Líquido”, recortado na relação “Afinidade e Parentesco”. Segundo, Bauman, o parentesco é um laço irredutível e inquebrável, é aquilo que não propicia escolhas, enquanto que a afinidade ao contrário é voluntária, é uma escolha. Porém, numa sociedade que impera o descarte, até as afinidades se tornam raras e as pessoas clamam por amor e amparo, pois ser digno de amor é algo que só o outro pode demarcar. Daí a angústia do enfrentamento ante essa condição incerta e líquida - nas quais o amor nos é negado? Os amores e as relações humanas marcadas pela instabilidade metaforicamente indiciam que caminhamos sob neblina numa atmosfera sem nitidez. O mundo virtual introduz a facilidade de “desconectar-se” e assim as pessoas passam a ter dificuldades de manter um relacionamento de longo prazo, pois estão consumindo e se consumindo nas relações, ou seja, caso haja defeito descarta-se impedindo espaços de abertura para os sonhos e para as experiências que propiciam viver as contradições. Na cena final, Mariana e Martín se permitem viver seus sonhos... Martim se veste como o personagem Wally, do livro de cabeceira de Mariana, cujo foco narrativo é proporcionar ao leitor o encontro com o personagem no meio da multidão urbana e pela minúscula janela aberta clandestinamente na medianeira de seu apartamento o identifica na multidão urbana e corre ao seu encontro...
SÍNTESE DO FILME: FALA DE MARTIN	- Há algo mais desolador no século 21 que não ter nenhum e-mail na caixa de entrada?

PUBLICAÇÕES ONLINE II

Resenha crítica do texto "O campo musical em expansão", de Lucia Santaella, por Marcus Carvalheiro

Resenha Crítica
Autor da Resenha:	Marcus Carvalheiro
Referência do Texto:	SANTAELLA, Lucia. O Campo musical em expansão. In: Matrizes da Linguagem e Pensamento: Sonora, Visual, Verbal. São Paulo: Iluminuras, 2005, pp. 81-96.
Palavras-chaves (3):	Música; linguagem; estética/técnica.
Desenvolvimento do Texto:
Em O Campo Musical em Expansão, Lúcia Santaella busca elucidar esta transição de percepção da arte no mundo contemporâneo levando em consideração os aspectos estéticos e técnicos da música. O texto faz parte do importante livro Matrizes da Linguagem e Pensamento: Sonora, Visual, Verbal, Santaella aprofunda estudos desenvolvidos por Charles Peirce. Após apresentar de forma densa a teoria das três principais matrizes da linguagem e pensamento de Peirce (sonora, visual e verbal) nos dois primeiros capítulos, Santaella aborda (podemos dizer que até de forma poética) a expansão da música e os limites para tratá-la apenas a partir da classificação em ritmo, melodia e harmonia. A autora trabalha em torno de “nove modos de ouvir”. Estas nove subdivisões são feitas a partir de três grandes níveis retirados do livro “O que é música”, de J.J. Moraes. São eles: (1) ouvir emotivamente, (2) ouvir com o corpo e (3) ouvir intelectualmente. Apesar de Santaella explicar que estes níveis se entrelaçam e são inseparáveis, a autora chama atenção para o fato do mundo contemporâneo e das novas tecnologias nos proporcionarem novas formas de ouvir, ou pelo menos, formas mais detalhadas de especificar estas experiências. Ouvir emotivamente corresponde ao primeiro efeito que a música está apta a produzir no ouvinte. Ouvir com o corpo entra em correspondência com o interpretante energético, visto que este diz respeito a um certo tipo de ação que é executada no ato de recepção de um signo. Ouvir intelectualmente significa incorporar princípios lógicos que guiam a recepção da música” (SANTAELLA, 2005, p. 82) A partir destes conceitos, Santaella subdivide os grandes níveis de Moraes em nove modalidades, sendo as primeiras do campo emotivo: (1.1) Qualidade de Sentir, em que a situação do ouvinte é um “instante fugido” ou “um sentimento em si mesmo”; (1.2) Comoção, uma experiência que “quer dizer, aquilo que nos move, que nos movimenta interiormente”; (1.3) Emoção, quando nomeamos o sentimento, quando rotulamos as músicas em alegres, tristes, melancólicas e outros. A partir do segundo nível, o de ouvir com o corpo, Santaella especifica que há: (2.1) ouvir de corpo tomado, no qual “o ritmo penetra no corpo”, pois “o próprio corpo parece ser a fonte geradora do ritmo”; (2.2) quando o ouvir é uma contiguidade entre a música e o corpo, sendo a música algo que vem e “o corpo, sem saber, já começa a se agitar”; (2.3) a dança coreografada, na qual a coreografia funciona como tradução plástica do ritmo. Já no terceiro nível, o intelectual, Santaella encontra outros três desdobramentos: (3.1) Hipotético, quando o ouvinte, mesmo treinado, está “diante de um ato de recepção em que seu intelecto não pode senão formular hipóteses”; (3.2) Relacional, em que o ouvinte é capaz de perceber milimetricamente os jogos das sobreposições e, por fim, a (3.3) escuta especializada, quando o ouvinte conhece todos os sistemas de referência da música (2005). Lúcia Santaella entende que a classificação da escuta se tornou mais frequente na medida em que a percepção sonora se transformou nas últimas décadas em um elemento fundamental para a própria composição. Tratar da expansão da música como experiência estética é traduzir este período de transição para o mundo contemporâneo. Após a II Guerra, as fronteiras entre os países se diluíram e o avanço tecnológico proporcionou teorias mais complexas. A partir de reflexões sobre os estudos de Pierre Schaeffer, Santaella afirma que em meados deste século a composição musical passou a considerar qualquer tipo de som, inclusive ruídos. Este é um advento próprio do mundo contemporâneo. Por isso, existem ainda outras classificações que podem ser utilizadas, além das nove modalidades anteriormente resumidas. “Palavras como ritmo, melodia e harmonia – colunas mestras da música que se engendrava a partir da nota como unidade – começaram a desaparecer do vocabulário dos compositores”, em decorrência das rupturas da linguagem sonora a partir de meados do século XX (2005, p. 88). Assim, “insatisfeitos com os timbres da orquestra clássica, os compositores a ela adicionaram novos instrumentos: percussão em profusão junto com instrumentos populares, antes considerados indignos para comparecerem em um concerto” (2005, p.90). Fenômeno que evoca uma espécie de crise interrupta, resultante de novas máquinas que registram, amplificam, manipulam sintetizam, analisam e controlam o som. É a partir deste desenvolvimento tecnológico que se permite a “criação de matérias e trajetórias sonoras inauditas”. Santaella explora um novo mundo de percepções ao sinalizar que, a partir de Boulez, existem sons a serem ouvidos e possibilidades a serem exploradas (2005, p.91). A música eletrônica, por exemplo, proliferou o material sonoro, adicionando novas transformações do som (BAYLE apud SANTAELLA). Ao retomar Bayle (1993) e Wishart (1996), Santaella apresenta uma “flexibilidade temporal” que, em um sentido amplo, trata da impossibilidade de se detectar as hierarquias estruturais da produção artística. Como exemplo, cita o “i-som”, um composto imagem-som, que considera “o conceito espacial da forma que se revela com todas as suas consequências” (2005, p.95). Por fim, interpreta a música contemporânea como uma transgressão, como uma forma de renunciar aos esquemas e sistemas formais, contrapor as inércias e estagnações. E é por estas razões que Santaella ao analisar este panorama multifacetado e pluridimensional optou por passar a chamar suas classificações de modalidades da sintaxe sonora e não mais estritamente de sintaxe musical. “Enfim, uma classificação capaz de abrigar não só a música das notas, mas também aquela dos grânulos, massas, nuvens e poeiras de sons” (2005, p.96).